La conception d’un film d’animation

« Tout ce qu’il faut savoir sur la préproduction d’un film d’animation »
de Martin Koscielniak
Dessins d’illustration d’Amaury Brumauld
Éditions Armand Colin – 2025
314 pages
ISBN : 978-2-200-63899-3

D’emblée, il me paraît utile de compléter le titre de cet ouvrage « La conception d’un film d’animation … de fiction, court ou long, basé sur les codes narratifs et de représentation du film en vues continues avec acteurs et décors réels ». En effet, cette méthode pas-à-pas fait l’impasse sur les spécificités d’écriture et de mise en scène de l’animation cartoonesque (caricaturale, fantaisiste), de l’animation à caractère documentaire hybridée avec des captations directes du réel, de l’animation de marionnettes (physiques/stop-motion ou virtuelles/3D) qui ne se résument heureusement ni à Aardman ni à Pixar, de l’animation non-figurative, potentiellement fictionnelle et/ou expérimentale. L’ensemble de ces registres, constituant la majorité des productions de films animés, s’écartent plus ou moins du schéma théorique ici présenté.
On regrettera aussi que les particularismes de conception de la série animée soient à peine évoquées dans la mesure où les règles inhérentes aux « arches narratives » ou aux « bibles (littéraire et graphique) peuvent concerner, voire posséder un caractère prépondérant, dans la préproduction et l’écriture de long métrage.

Ceci étant précisé, ce livre fait indiscutablement état de grandes qualités qui le rendent recommandable aux apprenants, néophytes ou en phase de perfectionnement.
L’auteur propose une synthèse solidement documentée de la théorie cinématographique élémentaire qui rebute habituellement tant d’apprentis animateurs. Il le fait avec un souci de vulgarisation salutaire, sans trop de jargon technique (incontournable en animation, malheureusement), préoccupation loin d’être fréquente dans le corpus existant des livres spécialisés.
La mise en page est claire, aérée, parfois épurée à l’extrême pour valoriser l’image démonstrative à elle seule.
Le style neutre des dessins d’illustration – fortement imprégnés par les caractéristiques typiques du storyboard de cinéma live action – sert néanmoins parfaitement les notions à comprendre.
Vous ressortirez de cette lecture avec une agréable impression de bienveillance pédagogique qui donne envie d’y revenir, régulièrement, en guise de référence. Là encore, c’est assez rare dans le registre de la prose technique, pour être souligné.
Enfin, j’ajouterai que son titre réducteur est trompeur. Les apprentis du motion design, des métiers du jeu vidéo (écriture, réalisation), des VFX, des expériences immersives, y trouveront l’essentiel des fondamentaux à maîtriser pour bâtir des récits susceptibles de rencontrer et de satisfaire leurs cibles.

Sommaire :

Chapitre 1 : Échelles de temps du film
• Image
– Règles de composition
– Axe dynamique et axe dramatique
– Zones de l’image
– Valeurs et contrastes
– Lignes de force
– Centre d’intérêt
• Plan
– Grosseurs [échelles] de plan
– Types de plan
– Points de vue
– Mouvements de caméra
– Effets visuels et transitions
– Cadres et sur-cadres
– Split screen [écran divisé]
• Scène
• Séquence
• Film

Chapitre 2 : Écriture
• Règles d’écriture
• Outils d’écriture
– Règle des 5 W
– Diagramme narratif
– Séquencier
– Emotion line [courbe émotionnelle du/des personnage(s)]
• Étapes d’écriture
– Idées – Sujet – Thème et message
– Intrigue
– Pitch et synopsis
– Scénario
– Scène-à-scène
– Traitement
– Continuité dialoguée
– Personnage(s) – Typologie
– Note d’intention(s)
• Étapes graphiques
– Color-script [traduction des émotions du/des personnage(s) en couleurs]
– Line-script [traduction des émotions du/des personnage(s) en contrastes de lumière]
– Character design [planches de modèle du/des personnage(s) et objets à animer]
– Recherches décors

Chapitre 3 : Grammaire cinématographique
• Règles de grammaire cinématographique
– Règle des 180°
– Zones de l’écran
– Principe du triangle
– Contraste des nombres
– Variation des obliques
– Règle des 30°
• Syntaxe
– Raccord dans l’axe
– Raccord sur l’axe
– Raccord à 90°
– Raccord grosseur
– Raccord directionnel caméras
– Raccord directionnel personnage(s)
– Raccord mouvement caméras
– Raccord mouvement personnage(s)
– Justification des mouvements de caméra
– Raccord de masse
– Lignes communes d’un plan à l’autre
– Ellipse

Chapitre 4 : Mise en scène et découpage
• Découpage technique
• Mise en scène/disposer les caméras
– Plan de mise en scène
– Champs-contrechamps : externes ou internes
– Gérer la règle des 180°

Chapitre 5 : Story-board et animatique
• États, fonctions et usages du story-board
• Ratio – Notations – Mise en pages
– Ratio
– Notation
– Mise en pages
• Les trois états du storyboard
– Story-rough
– Story-clean
– Story-couleur
• Animatique
• Prévis (prévisualisation)

Chapitre 6 : Layout ([maquette de plan]
• Layout décor
• Layout posing (animation)
• Layout global
• Décompositing [décomposition de l’ensemble des éléments qui compose le plan]

Chapitre 7 : Dépouillement – Planning

Chapitre 8 : Constituer un dossier de préproduction